Solo Show Madison gallery Oct 2023 USA

Madison Gallery US Solana beach

“Abstraction? Figuration? The two spaces coexist here without ignoring each other with the hope of a possible symbiosis between what the painter and the lover know, what they can say and everything that vibrates beyond exhausted words. Because the image freezes within the limits of the form. However, time has told us, love is a dance where the fluidity of each new movement calls for possibilities, suggestion and resonances of the eternal.” – Cédrix Crespel 

Cédrix Crespel is an artist who symbolizes a generation open to its era culture. He examines the representation of one woman. In the middle of the 90s, aware of the need for artists to lay down roots in their culture, he soon abandoned academic drawing, renounced pencils and lines, inventing a figurative form of expression. His painting is a sensual odyssey an adaptation of images of independent and passionate women who defy roles that society wants to give them. He teaches us, whether we like it or not, to get rid of our certainties to enter a universe where his women love to be coveted in this way. From the tension in desire to the obsessions haunting him, Cédrix Crespel implies the sexual and sensual, and the reverse. For four years now, it is no longer a question of painting the muse but of showing the couple in a relationship to absolute love.

“The blur, the background, the underside is the subject. It fixes Her image. From a distance, on the surface, I apply what represents me with my historic practice. By these two techniques I create a depth of field comparable to photography.
The distance between these two layers is precisely what I focus on, what I seek to paint. a ‘3rd entity’ ‘the link that connects us’, the unpaintable, the unrepresentable.” 

Galerie Rive Gauche Marcel Strouk

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Kolly Gallery

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Fuir l’acquis. Toujours. Sans cesse. Brusquer les certitudes pour construire d’autres horizons, ou simplement s’ouvrir à de nouvelles perspectives. Il n’y a que peu d’art dans le conformisme. Aucun artiste sans le goût de l’imprévu. Tiphaine et moi l’avons appris. Notre derniere surprise s’appellera «Ligne Bleue». Poursuivre le chemin initié à deux sans tomber pour autant dans la redondance.

Un changement de dogme. «Ligne Bleue» est donc cela: un nouveau postulat, une nouvelle ligne, une ligne bleue. Il y a d’abord la chromie unique. Par hommage. A Marrakech, ville qui nous a vu naître et renaître. Aux grands aussi. Ceux qui ont bercé notre regard. Matisse, Monory, Klein, évidemment. Mais au-delà. Le bleu comme contrainte positive. On évacue la couleur, sa facilité. On fuit l’habitude et force le geste à se surpasser. La monochromie n’est pas un caprice. Elle est un stimulant, un levier, un dogme qui enraye les artifices et conduit à l’essentiel. Vient ensuite l’itération. Traiter répétitivement un même objet. L’user pour en extraire un potentiel plein. Tiphaine l’a toujours su. Son “Langage des Jambes” en est le meilleur porte-parole. Je le sais aussi désormais. Depuis “Deep Pola” et ma dernière résidence à Jardin Rouge, je décline ses clichés en multiples variations. Puisque l’époque sérialise l’image, notre dogme aussi. Enfin, ou surtout, l’association. Celle de la source et ce qu’elle enfante. Celle de la photographie et de la peinture. Il ne s’agit plus de représenter ou traduire le pola mais d’y entrer, d’y plonger. Nous nous séduisions à distance par le jeu de nos correspondances.

A présent, nous nous consumons par le travail artistique. De la parade à l’acte, nos travaux s’unissent et se synthétisent. Le dogme est donc commun. Ligne Bleue le sera aussi. Un concept qui impose le renoncement radical. A l’habitude nous l’avons dit. A l’individu également. Mon corps et mon esprit, mis au service de l’oeuvre. De même, le corps et l’esprit de Tiphaine offerts à l’acte créatif. Ni moi, ni elle. Tout au plus l’entité Crespel disposée aux faveurs de la recherche artistique. Et dans cet esprit d’abnégation, notre dogme exigera une production soutenue. Dans le temps comme dans son volume. Ligne Bleue, ce seront 50 nuances de notre bleu en 365 jours.

We are always running away from pre-acquired knowledge. We are continually breaking down certainties in order to build new horizons, or to open up to new perspectives. There is little art in conformism. There is no artist without a taste for the unexpected. Tiphaine and I have learned it. Our latest surprise will be titled “Ligne Bleue” (Blue Line). The new series follows the path we initiated together in the past, but does not fall into redundancy. The dogma has changed. That is what Ligne Bleue is about; it is a new starting point, a new line, a blue line.

The first singularity is the colour. This comes as a tribute. A tribute to Marrakech, the city where we were born and reborn. A tribute to the great masters too. Those who rocked our eyes; Matisse, Monory, Klein, of course… But it is far more than that. Blue is a positive constraint. We are leaving polychrome behind with the intention of making things more difficult. We want to avoid habits and force the gesture to surpass itself. Monochrome is not a whim. It is a stimulation, a leverage, and a dogma that stops contrivances and forces us to reach the essence. Then, comes iteration; the same object is repeatedly treated. It is worn out so as to extract its full potential. Tiphaine has always known it. Her Langage des Jambes illustrates that perfectly. I know it too, now. Since Deep Pola and my last stay at Jardin Rouge, I have used her shots recurrently in multiple variations. Our dogma serialises the image, the same way our epoch does. Finally –or especially– there is an association. The association of the source and what flows from it. The association of photography and painting. The question is no longer to represent or translate the polaroid but to enter and dive into it. We used to seduce each other from afar through our correspondence game. Now we are consuming each other through our artistic work. From courtship to action, our works have united and synthesised. We now have a common dogma and Ligne Bleue will be a joint work. The concept asks for a radical renunciation. Renunciation of habits, as we said. Renunciation of the individual as well. My body and my mind serve the artistic work. Similarly, Tiphaine’s body and spirit are placed at the disposal of the creative act. Neither me nor her. At most the “Crespel Entity” put at the service of artistic research. In this spirit of abnegation, our dogma will require sustained production in volume as much as in time. Ligne Bleue will consist of 50 shades of our own blue in 365 days.

  Rythme, mémoire et évidence… La formule pour synthétiser une histoire. En extraire la sincérité. De HorseS, BullS and Girls  à Blending Cultures, Crespel aura poursuivi un seul objectif : lui-même. Comprendre sa peinture a permis de saisir ses préoccupations. Ou l’inverse. Si l’adolescent s’attardait sur de multiples modèles, l’adulte a balayé cette effervescence jusqu’à se concentrer sur une seule femme. Toutefois, le binarisme n’a jamais caractérisé sa dynamique et nous savons à présent que l’épouse, comme modèle, n’aurait sans doute plus intéressé le peintre sans son travail de muse et les propositions qui en découlent. De même, si les premières toiles cumulent les informations –et, avec elles, les affirmations –, les compositions récentes, à l’inverse, privilégient un phrasé unique qu’elles accompagnent d’harmonies puissantes. Telle une mazurka de Chopin, la mélodie brille tant par sa subtilité que par son apparente facilité. Derrière, par contre, l’usage des temps et des accords assure la teneur émotionnelle de la proposition et éloigne considérablement l’œuvre des pièces pour enfants. Pleurer de J.O.I.E. relève de ce mouvement. De cette dialectique. Le rythme et les accents au service de la simplicité pour atteindre la transparence dont on a manqué par le passé.

Hier et aujourd’hui. Encore une fois. Blending Culturesmatérialisait l’autocritique. Pleurer de J.O.I.E.touche à la rémission. Derrida affirmait que le pardon réclame la mémoire. De la faute et du coupable. Dans l’histoire Crespel, ni péché ni pécheur. Une blessure cependant. Une plaie cicatrisée dont la souvenance irradie tout futur. Que l’on s’en rappelle : pas de liberté dans l’oubli. J.O.I.E.ne pouvait donc pas mourir. Encore moins par omission ou silence. Et puisque d’hier il s’agit, Cédrix s’empare des autoportraits tirés par Tiphaine à l’époque. Les premiers. Crus. Désespérés. Intenses. Des esquisses plus proches du documentaire que du fashion film. Elle y rampe. Elle y tend le bras. Elle appelle. Un cri qui résonne et s’écoute à présent.

Plastiquement, le peintre poursuit le chemin engagé depuis XXLet favorise la physicitécomme la sensorialité du travail pictorial. La seule trace figurative demeure le portrait de sa muse. Autour s’organise un feu de sensations. Par contre, les cadrages que Tiphaine choisit forcent tous la profondeur de champ. Le visage occupe le premier plan tandis que le corps s’engouffre dans un abyme dessiné par la perspective. L’angoisse part du regard et s’étend jusqu’au point de fuite. L’intelligence graphique et sensitive de Cédrix ne pouvait évidemment gâcher l’invitation. Il renforce donc cette sensation d’avalement. Toute sa construction sensorielle accompagne la direction du mouvement. Les à-plats relèvent les contrastes entre ombres et lumières. Les vecteurs, simultanément, dirigent le regard et déterminent, par leur agencement ou leur chromatologie, le rythme comme l’interprétation. Une convergence entre la figure et les accents apportés prend ainsi forme. Mieux ! Pour la première fois, Crespel efface les limites qui séparaient l’objet des nuances qui l’appuient. Un procédé comparable aux essuyés qu’utilisait Bacon. Les tons chair dépassent les frontières du corps et se mélangent aux éléments de rythme et d’intensité. La synthétique pop, protagoniste jusqu’ici, s’ouvre ainsi à une chromatologie plus organique. De même, Cédrix libère la figure dans sa dimension expressive et n’hésite pas à la priver de certains attributs. Afin d’exacerber la dynamique sensorielle de la composition, les questions de représentation et de beauté passent au second plan. Ce qu’il traquait autrefois dans la narration s’amplifie maintenant par l’évidence propre au langage peinture.

 Un paradoxe toutefois. Malgré la désespérance qui anime les clichés originaux, Pleurer de J.O.I.E.ne sombre pas dans la tristesse. Les tons conservent une certaine flamboyance, les appendices dynamisent et les mouvements demeurent vivants. Il n’y a là ni requiem ni complainte. Tout au plus une légère mélancolie. L’élan s’approche plus de la noce que de la rupture. Un choix excessivement logique et compréhensible si l’on veille à l’entendre. Car pourquoi se morfondre ? Ce jadis, aujourd’hui assumé, ne peut qu’être célébré. Mûrir nécessite le bagage informatif de la souffrance. Les évolutions coûtent. Le résultat cependant s’apprécie. Alors, certes, les larmes ont coulé. Certes, le couple a souffert. Mais, s’il doit encore en pleurer, que ce soit de joie…

 

  Rhythm, memory and evidence: the formula that summarises a story. Extracting the sincerity from it. From HorseS, BullS and GirlXto Blending Cultures, Crespel pursued only one goal; himself. Understanding his art helped the understanding of his concerns. Or the other way around. While the teenager lingered on various models, the adult swept all the effervescence away to culminate by focusing on a single woman. However, his dynamics have never been characterised by binary oppositions. We also now know that the wife, as a model, might no longer have interested the artist, had she not worked as a muse, and hence made new proposals. Similarly, while the first paintings used to accumulate information, and with it, affirmations, his more recent compositions, instead favour a unique phrasing accompanied by powerful harmonies. Like in Chopin’s mazurkas, it is the subtlety as much as the deceitful apparent ease, that make the melody shine. Yet the use of tenses and concordances in the background ensure the emotional content of the proposal and make the mazurka far from easy to play. Pleurer de J. O. I. E.belongs to this movement. To these dialectics. Rhythm and accentuations are at the service of simplicity in order to achieve a transparency that was missing in the past.

Yesterday and today, once again. Blending Culturesmaterialised his self-criticism. Pleurer de J.O.I.E.is more about remission. Derrida argued that forgiveness calls for memory. Fault and guilt. In Crespel’s story, there is neither sin nor sinner. An injury, perhaps. A healed wound which, depending how we remember it, will determine the way we perceive the future. We must not forget that there is no freedom in oblivion. This is why J.O.I.E.could not die. Even less by omission or silence. Since we are talking about yesterday, Cédrix returns to Tiphaine’s old self-portraits. The first ones. Raw. Desperate. Intense. Sketches that looked more like a documentary film than a fashion film, in which she crawls. She stretches an arm. Calls out. Her cry still echoes today.

 Plastically, the painter continues the journey initiated with XXL and concentrates on the physicityand sensorialityof his art. The only figurative trace left is the portrait of his muse. Around it a fire of sensations burns. Nevertheless, the framing chosen by Tiphaine forces a certain depth of field. The face occupies the foreground while the body is engulfed into perspective. Anxiety starts with the eye and extends until a vanishing point. Cédrix’s graphic and sensory intelligence could certainly not ruin the invitation. Therefore, he stresses this swallowing sensation. All his sensory construction accompanies the direction of the movement. The flat tints highlight the contrast between light and shadow. Simultaneously, the vectors direct the eye and with their disposition or colour, determine the pace as well as the interpretation. This leads to a convergence of the figure and the accents. For the first time, Crespel erases the limits that separate the object from the nuances supporting it. This can be compared to Bacon’s habit of wiping the paint. Fleshy tones extend beyond the boundaries of the body and mix with the elements of rhythm and intensity. The pop synthetics, so far a main character, open up towards a more organic colour palette. Similarly, Cédrix liberates the figure in its expressive dimension and does not hesitate in depriving it of certain attributes. To exacerbate the sensorial dynamics of the composition, the concerns about representation and beauty are relegated to the background. What he used to seek in narrative is now amplified by the evidence so special to the language of painting.

 This is however, a paradox. Despite the despair found in the original images, Pleurer de J. O. I. E.does not sink into sadness. The tints retain a certain degree of flamboyance, the appendices create dynamics and the movements remain lively. There is neither a requiem nor a complaint. A slight melancholy at the most. The momentum is closer to a wedding than to a break-up. An excessively logical and understandable choice if you care to hear it. Why whine? Once the past has been assumed, it can only be celebrated. Maturing requires the informative baggage of suffering. Evolutions cost. Yet the result can be appreciated. Then, certainly, tears have been shed. The couple has undoubtedly suffered. But if they still have to cry, let it be of joy.

L’exposition Blending Cultures réunit deux artistes aux démarches complexes pour un duo show riche et vibrant.

Cédrix CRESPEL et TANC sont des compositeurs. Les formes et les couleurs dansent sous l’impulsion créatrice, leurs oeuvres dégagent tant la spontanéité que la maitrise du mouvement.

Chacun revisite un courant de l’art contemporain. Pour TANC on parle d’Expressionnisme Abstrait tandis que Cédrix CRESPEL se rattache au mouvement Supports/Surfaces. De ce mélange intergénérationnel découlent deux recherches artistiques empreintes d’un profond respect pour le passé et d’une puissance créatrice nouvelle.

C’est dans cette douce folie que les deux artistes se rencontrent. Deux univers qui se frôlent. L’exubérance contrôlée, l’effusion de couleurs, la forme et la spontanéité du geste. TANC et CRESPEL ont créé leurs langages distincts. Un savant mélange de cultures qui animera la galerie Martine Ehmer du 9 septembre au 8 octobre 2017.

« Mon domicile Conjugal »

Exposition personnelle
Galerie Rive Gauche Marcel Strouk en partenariat avec Montresso Foundation
20.07.2017

« Au fil des résidences le style s’est modifié, affirmé. Cédrix Crespel n’a rien cédé de sa personnalité, ni de son engagement pour sa Muse, mais comme si l’éloignement physique avait décuplé leur complicité et la manière de l’exprimer,le trait s’est progressivement transformé au service de toiles plus suggestives où chacun d’entre nous s’il ose l’avouer y retrouve une part de sa vie, de ses envies et pourquoi pas de ses fantasmes.

L’abstraction a compensé les détails jugés alors inutiles qui disparaissent des décors. Les couleurs explosées entrainent avec elle l’oeil du témoin vers l’essentiel. Le regardeur n’observe plus de l’extérieur l’univers du peintre, il est à l’intérieur de l’oeuvre où l’invisible devient visible. Cédrix nous offre un voyage dans son intimité, “son domicile conjugal” y joue le rôle de décor, mais c’est bien de son intimité qu’il s’agit, un hommage à la Muse et aux femmes qui aiment les hommes, aux hommes qui aiment les femmes. »

JLH

Photos Paul Etard

 

« The confrontation with the unlimitedness of this linen canvases allowed me to measure the limits of my gestural amplitude. As to remind me that the work of art is still larger than his author »
XXL # 1
Jonone Tilt FENX Cedrix Crespel
In partnership with Galerie David Pluskwa
12.12.2016 – 30.01.2017
Espace Montresso*, Marrakech, Morocco

Photos Nicolas Gzeley

« CAR CRASH » de Cédrix Crespel Si Cédrix Crespel peint sa vision de la féminité de manière intuitive et spontanée, il pose aussi son sujet au coeur d’expositions thématiques. L’occasion de révéler au delà de l’esthétisme, une femme « symbole », passerelle de ses émotions et réflexions personnelles. C’est ainsi que la Femme de Cédrix Crespel prend le visage de ses héroïnes (Par, Pour, Sans qui. 2008), celui du mythe (Bulls, Horses and GirlX 2012), de la transmission (Outside Parking 2011), du fantasme (J.O.I.E 2013) de l’exotisme (Ainsi soient-Elles 2015) « CAR CRASH » explore l’hommage et le chaos, extension symbolique du complexe d’oedipe . La figure féminine de l’infirmière évoque une mère aimée, protectrice, séductrice. Celle qui panse les plaies de la chair et de l âme… Sa présence domine les scènes d’un crash dont la violence fait écho à un parricide. L’évocation n’est pas anodine dans la vie de l’artiste dont le père est pilote automobile. Les compositions mettent en relief un sujet dont le propos fait appel à des références artistiques pour tisser le lien essentiel qui reste l’érotisme. Citons CRASH de Cronenberg film dans lequel un homme est à la recherche d’une énergie sexuelle qui atteint son apogée aux moments d’accidents de voitures. Citons également Richard Prince et sa collection de « Nurse » érotique. Le rapport étrange qui lie le danger de la course automobile et le fantasme de l’uniforme, nous entraîne dans un no man’s land glacé avec des oeuvres subtilement cadrées et audacieusement millimétrées. L’exposition présente une vingtaine de toiles sur lesquelles on reconnaît aisément les codes artistiques propre à Crespel. L’univers graphique, la richesse chromatique, les codes de la culture pop et l’imagerie des réclames de courses automobiles nous transportent dans une arène sponsorisée à la manière de Warhol ou Wesselmann. L’oeuvre « CAR CRASH » prend tout son sens, l’artiste y affronte ses obsessions et ses craintes. Ce mélange de chairs et d’aciers, destructeur, déroutant mais aussi intensément érotique, invite le spectateur à découvrir la narration de cette nouvelle série de toiles.

«  Car Crash » by Cédrix Crespel

If Cédrix Crespel paints its vision of the femininity in an intuitive and spontaneous way, he also puts his subjects at the heart of thematic exhibitions which gives him the opportunity to reveal beyond the aestheticism, the woman « symbol », the close link between its feelings and personal reflections.
This is why the Woman of Cédrix Crespel takes the way of his heroines (Par, Pour, Sans qui. 2008),
of one of myth, (Bulls, Horses and GirlX 2012), of transmission ( Outside parking 2011), of fantasy (J.O.I.E 2013) and exoticism ( Ainsi soient-elles 2015).

« Car crash » explores the tribute and the chaos, symbolic extension of Oedipus complex.
The feminine figure of the nurse evokes a loved, protective and seductive mother… who bandages wounds of the flesh and of the soul.
Her presence dominates the scenes of a crash, the violence of which echos a parricide.
The evocation is not harmless for the artist, a racing driver of which the father is.

The compositions accentuate a subject of which appeals to artistic references to weave the essential link which remains the eroticism.
Let us quote as saying CRASH, the Cronenberg movie in which a man is in search of a sexual energy which reaches its peak at the moments of car crash, and also Richard Prince and his collection of erotic nurses.
The strange relationship which connects the danger of the motor racing and the fantasy of the uniform pulls us in a frozen no-man’s-land with works subtly centred and bravely graduated.

The exhibition presents about twenty paintings of Cédrix Crespel on which we recognize easily his own artistic codes.
The graphic setting, the color enrichment, the pop culture codes, the advertising images of motor racing transport us in a sponsored arena like Warhol or Wesselmann.

Car Crash takes all its sense, the artist faces his obsessions and his fears there.

This mixture of flesh and steel, destructive, puzzling but also so intensely erotic, invites us to discover the story of this new exhibition.